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Introducción
Hola, mi nombre es Alejandro Buonomo Cuevas. Tengo 18 años y soy estudiante de Ciencias Sociales en la UPRRP. Siempre me ha llamado mucho la atencion la arquitectura y quisiera poder tener una buena manera de implementar esto en mi vida.
Filme de "Baraka"
“La sociedad existe para el beneficio de sus miembros, no los miembros para el beneficio de la sociedad”
-Herbert Spencer
Mientras vemos que la sociedad avanza, nos damos cuenta de que el sentido de la justicia está disminuyendo cada vez mas. Empezamos a ver la diferencia un poco mas exponencial como en el plato de tu vecino; en casa; tu medio de transporte; su oficio y sus recursos. Además, es el mismo sistema el que continúa con este comportamiento el cual no es nada pragmático para ambos lados. Los dos puntos de modernismo y "sistema" se entremezclan, porque uno es el combustible del otro, es decir, es imposible existir el uno sin el otro. Exploraremos como estos dos tipos de fuerzas como le podamos decir son casualidades y como nos pueden llegar a afectar de un modo.
Lo que es la ambición es algo lo cual siempre ha existido desde el momento en que los humanos pusieron un pie en la tierra. Esta es la misma causante de muchas atrocidades causadas por nuestras manos hacia nosotros mismos. Antes de esto, este comportamiento fue severamente castigado. A medida que pasa el tiempo, algunas personas usan métodos los cuales podemos encontrar muy cuestionable con el fin de seguir progresando, mientras que a la misma vez buscando que las personas que estén rezagada en cuestión de progreso se mantengan en ese lugar. Esta dinámica anima a los que están rezagados a intentar lo mismo que los que están progresando, pero tienen que afrontar la adversidad tres veces. Esto se puede apreciar en este filme a través dos tipos de personas diferentes que son los trabajadores que están en la fabrica y los que llamamos consumidores andan vestidos elegantemente. Hay mucha multitud de personas la cuales pueden llegar a pensar que han podido progresar con el paso del tiempo pero en realidad siguen en el mismo lugar. Aquellos que se dedican a aquellos que lucharon para llegar a una gran cantidad de inspecciones que quizás no pasen. Así es como está diseñado el sistema. Los que no participan llegan demasiado tarde y están destinados a sufrir todo tipo de adversidades.
El papel que juega el sistema en este filme puede ser descrito como muy simple para como muchos podrían pensar que es complicado. Su funciones establecer un objetivo que puede ofrecer un tipo de autodeterminación financiera que muy poca gente va a poder lograr experimentar. Ese bajo porciento de personas que no podrán tener esa experiencia hará todo lo posible para llegar a ese objetivo. En cambio el ser humano común o racional no estaría dispuesto a tomar ese mismo impulso, ya que pudo observar el camino que la persona anterior recorrió para poder lograr ese objetivo casi inalcanzable. Por eso se hizo la mención del que no toma la decisión y se tarda por tener dudas esta reprobó a pasar por diferentes adversidades en el futuro. Un claro ejemplo en el filme es la escena en cual los pollos están siendo utilizados para la elaboración de alimentos es perfecto para explicar esto. Ya que esos pollos que no fueron capturado para este proceso son un porciento bajo que al final están disfrutando de su libertad, los que fueron atrapados son los demás que piensan que pueden tener libertad pero nunca lo podrán alcanzar.
En el filme de Baraka, podemos observar como las personas tienden a complacer la gran demanda de una gran cantidad de productos diferentes o solo uno en concreto. Estos son individuos que están desesperados por interinamente poder estar en la sima de este sistema. Mientras progrese la sociedad mas recursos serán gastados excesivamente. Si las reglas del juego sean mas doblada van a poder ayudar a ese bajo porciento de gente que trabaja y esta mas abajo que los demás. El filme Baraka logró mostrarnos imágenes de estas personas en busca de recursos en países del tercer mundo, estas imágenes parecen un lugar que este abandonado. Como miembros de una comunidad, tenemos la responsabilidad de asegurarnos de que nuestros vecinos, compañeros y nosotros tengamos de comer; tener un techo en cual poder descansar y el sistema no nos abandonará, ni los abandonará a ellos.
Imágenes
El Gesto Arquitectónico
Tenemos como trabajo especifico de encontrar el equilibrio perfecto entre estética y practicidad. Si imagináramos esto como si fuera un tipo de balanza y se moviera mas de un lado que del otro ahí es el momento en el cual debemos dar un paso hacia atrás y volver a considerar las decisiones del diseño. Un claro ejemplo de la clase que tuvimos es las imágenes de los diferentes tipos estilos de ornamentos atreves del tiempo. Aquí, podemos ver los diferentes estilos arquitectónicos de diferentes personas, desde enfocarse en la esencia, sobrecargar, lo más bello posible, o simplemente intentar hacerlo de una forma u otra. Estaré discutiendo la importancia del equilibrio en el diseño, incluso de la diferencia entre un diseño bien pensado y un diseño hecho puramente por código y no por estética como tal.
Hay muchos diseños o la mayoría de estos mismo que han sido realizados por arquitectos que están familiarizados con los requisitos. Esta demanda es popular ya que se basa en la realidad de la persona que la posee. Por esa misma razón cada proyecto es diferente como al igual la forma en la que trabaja el arquitecto por su propia cuenta. Cada arquitecto tiene su propia manera de trabajar ya sea por prestarle atención a diferentes aspectos mas que a otros. Que del mismo modo esto se puede ver reflejado en espacios que carecen de cosas inclusivas o que funcionan mal. También existen personas las cuales sacrifican o intercambian esta característica por la de la estética. Se enfocan tanto en lo que hicieron en los primeros planos que no le dan importancia a las necesidades por estar tan concentra en lo mismo.
Al igual hay algunos de nosotros que solamente nos enfocamos en los aspectos básicos, tratando de hacer todo con código, sin tratar de experimentar lo que es posible y lo que es imposible. Estos son muy principiantes y solo se centran en completar el trabajo el cual les fue asignado de la manera mas eficiente posible. Podemos ver esto en la película de Baraka "Slums". Es importante saber que la comunidad que rodea el espacio es clave ya que eso influirá en el diseño final de acuerdo con sus necesidades de estética y las funcionales. Los barrios marginales son prácticos, pero no tienen personalidad y no tienen nada que decir sobre la gente que vive allí. En este caso la gente no define el espacio. La cultura la cual rodea el espacio debe reflejarse en el espacio.
Este equilibrio es de suma importancia para los intereses de esa comunidad en especifico y las personas que estén habitando en ese espacio. Por eso no siempre puedes dejarte llevar por las reglas ya que todo seria igual siempre. Nada puede resaltar o distinguir la realidad de una comunidad de otra. Nosotros como diseñadores, deberíamos tener como prioridad mantener este equilibrio. Deberíamos estar estudiando el flujo de la zona, sus comunidades, espacios, entre otras cosas. Cuando sea posible tener todo en el mismo tope de importancia y la funcionalidad se incluye en la estética, así podremos construir obras muy bien pensadas. Trabaje teniendo en cuenta todos los aspectos del espacio y su entorno circundante. Como arquitectos y diseñadores, siempre debemos mantener este estándar.
Que es diseño
El diseño es la encarnación de la idea, generalmente una respuesta a una necesidad útil. Puede reconocer las diferentes necesidades que existen y crear soluciones que sean hermosas y prácticas. Necesita un equilibrio perfecto para realizar su máxima expresión. Lo importante es que el diseño implica cierta cantidad de investigación, racionalidad y pensamiento intuitivo. Un diseño, si es un caparazón vacío, un espacio sin propósito, es un capricho. Nosotros, como arquitectos, somos responsables de realizar cada uno de los pasos anteriores, si no los cumplimos, no hemos respondido correctamente a los requisitos planteados.
Las preguntas que nos hacemos durante el proceso de diseño son más valiosas que cualquier otra pregunta en nuestro proceso porque muestra que estamos realmente enfocados en resolver eficazmente los problemas espaciales de cada participante. Tenemos la responsabilidad de diseñar para los clientes, los ecosistemas, el entorno espacial, los ocupantes y las personas que nos rodean. Si no seguimos la normativa anterior, haremos un diseño estático, y no hay posibilidad de evolución. Es muy importante estar abierto a expandir tu plano creativo. No es necesariamente que las cosas en tu mente terminen así, y el proyecto evolucionará a medida que surjan las necesidades. Esto se puede ver en el documental "Stone Hot Springs". El arquitecto Peter Zumthor logró resolver las necesidades de la manera más efectiva. ¿No se puede construir verticalmente para no obstaculizar la visibilidad de los huéspedes del hotel? Combinaremos la estructura con el suelo y la topografía para que parezca parte de una montaña. ¿No quieren todos los clientes agua caliente para su sauna? El arquitecto diseña diferentes estancias de acuerdo con diferentes necesidades. Ejemplos de estas habitaciones son la temperatura, el sabor del agua y la diferencia de estímulos visuales y auditivos. Todos estos son signos de diseño que se resuelven por completo de la manera más efectiva.
Es muy obvio que no involucra suficiente pensamiento crítico y diseño del proceso de investigación. Por lo general, en el espacio no utilizado, hay un aspecto estético que no aumenta la estructura, no hay inclusividad y, en ocasiones, incluso hay problemas de función. En estos casos, el diseño carece de personalidad y pasión, ese espacio extra no existe, puede evolucionar en otro espacio. Es imposible cambiar la realidad de ese espacio y las personas que lo habitan. Es muy poco probable que un diseño que carece de elementos básicos tenga en cuenta las necesidades de todos. Por eso, es muy importante cuestionarse a sí mismo en el proceso creativo. Tenemos que preguntarnos quiénes somos, dónde, cuánto y para qué estamos diseñando.
La importancia de crear un diseño con personalidad y pasión es que el espacio se adapte a los ocupantes. Es como si el espacio se volviera animado, lo que solo se puede lograr a través de un buen proceso de diseño. Esencialmente nuestro trabajo es crear un espacio que sea hermoso, inclusivo y práctico. Hay demasiados espacios que carecen de inclusividad, estética y funcionalidad. La creatividad y nuestra capacidad para resolver problemas y necesidades crearán una carrera larga y exitosa.
Analisis de Arquitectura
El análisis arquitectónico no se trata solo de analizar un espacio o estructura, sino también de observar y comprender su entorno así como la luz que entra o lo ventila. Cada aspecto de su estructura, incluido el entorno, es lo que define este negocio. La luz que recibe, el viento que ingresa y todo el espacio a su alrededor debe estar completamente planificado, porque se encuentra debajo del frente del diseño y debe ser la primera variable en ser notada y considerada durante el proceso de diseño. Nos presentan tipos y diseños de edificios como zanjas, plataformas, áreas elevadas, bolas de algodón, techos, etc. Cada uno de estos diseños tiene un propósito; Desde puntos de referencia más simples hasta cosas más complejas como estacas y columnas.
Los aspectos fundamentales del análisis arquitectónico, como el entorno y los detalles que mejor definen su espacio, son esenciales para la implementación efectiva del diseño. Podemos ver cómo los detalles individuales descritos en la lectura se pueden juntar para crear su propio espacio. Cada elemento que nos muestran tiene un propósito natural, pero al mismo tiempo es creado por el hombre. Contamos con mantas para cubrir el sol y la lluvia, los hitos deben definir los atractivos; La base para poder colocar el espacio en su nivel normal. La combinación de todos estos elementos y sus funciones crea importantes formas arquitectónicas.
Los elementos básicos y esenciales mencionados en el párrafo anterior son todos abstractos. Solo cuando se lleva al nivel físico debe combinarse con otros factores no direccionales, como los efectos de la luz, la temperatura, la textura y el material resistente al tiempo. Un ejemplo es el uso de ventilaciones o ventanas. Estas ventanas le brindan la capacidad de influir en la temperatura y controlar la entrada de luz y agua. Cambiar estos elementos contribuye a la experiencia arquitectónica. Igualmente importante es la capacidad de crear un espacio de hermosa escala.
La experiencia del espacio dependerá de sus componentes. Todas las variables preestablecidas son muy importantes para que pueda crear una experiencia agradable al atravesar u ocupar espacio. Desde verlo desde afuera hasta mirarlo y caminar en él. Todas estas son etapas por las que pasamos como espectadores. Cuando actuamos como diseñadores, no tenemos la obligación de ponernos en la piel de quienes habilitarán este espacio, ya que podremos comprender mejor el diseño y esto nos ayudará.
Sistema de Moda
La moda se divide en dos períodos de tiempo: uno que es históricamente relevante y el otro que puede describirse como memorable. Esto plantea la pregunta: ¿La historia afecta el proceso de la moda? La respuesta es no, la moda cambia, pero sus cambios sí. El ritmo de la moda debe cambiar para que la historia lo afecte. Una y otra vez, ese mismo ritmo es un signo de una nueva comunidad. Las modas inolvidables son un ejemplo de una nueva asociación. Un ejemplo de ello es la época de los años setenta, ochenta y noventa cuando su moda marcó e incluso influyó en la sociedad actual.
La frase en la que comienza este pensamiento es un ejemplo de que la moda misma está en constante cambio. Algunas de las cosas que vemos hoy pueden no ser necesariamente mañana. Las colecciones de moda inolvidables no son una excepción a esta regla. Es por eso que las diferentes épocas tienen sus propios estilos de impresión. Son inolvidables, pero también son víctimas de estos cambios en la sociedad; Aquí también podemos agregar que depende de ciertas necesidades que surjan en ese momento. Temperatura, situación económica del país, comercio o simples casos de innovación por parte de diseñadores. La moda en sí también se usa indirectamente para reflejar la situación económica. Tanto en hombres como en mujeres. Se nos dice que si la porción de desgaste excede, de hecho hay un modo, pero si el desgaste excede la porción, no hay modo. Las piezas que superan el desgaste pueden usarse hoy y reconocerse con el tiempo; Aunque nacieron hace más de 20 años, siguen siendo buenos ejemplos de moda inolvidable.
Nuestro siguiente punto tiene algunas similitudes con el pasado. Hay una moda histórica real. Dependerá de su efecto, presentación y efectividad; Estará más cerca de una moda inolvidable. La diferencia entre los dos depende del contexto, pero en última instancia es una pequeña diferencia. La moda ha tenido una gran importancia a lo largo de la historia. Eventualmente afectará a la economía, la sociedad y las diversas innovaciones que aparecen en ese momento. Para reiterar mi punto desde el principio, no creo que la historia cambie mucho la moda, pero la moda tiene el poder de cambiar aspectos de la historia. Es una forma de expresión que puede utilizarse como forma de protesta. Un ejemplo de esta protesta fue cuando Gloria Steinem, por su vestimenta y estilo, se convirtió en el rostro de una segunda ola de feminismo.
La moda siempre estará ahí, la pregunta es cuál sobrevivirá y cuál será olvidado. Como diseñadores, nuestra misión es estudiar la historia y la moda inolvidables. En nuestro diseño deben reflejarse aspectos del pasado y aspectos de la innovación. Esta es la única forma en que el diseño creado puede resistir el desgaste.
Sistema espacial y Sistema Material
El sistema espacial consiste en las relaciones entre estructuras y objetos del espacio negativo y positivo; Mientras que un sistema físico depende de la superficie sobre la que se construye y de los elementos indirectos que lo componen, como su entorno. Un ejemplo de tal sistema espacial comienza con puntos. Si los puntos se pueden colocar en un cierto orden o coordinación, el espacio negativo generado puede producir líneas planas; Es aquí donde finalmente se crean las superficies y los volúmenes. Estos volúmenes creados se pueden definir utilizando diferentes texturas y aspectos como forma, tamaño, color y textura. Las interpretaciones que se dan sobre este sistema espacial y físico son una completa abstracción de la lectura previamente denominada "Análisis arquitectónico", mostrándonos diferentes aspectos. El diseño y cómo cada elemento puede evolucionar hacia otro, o cómo estos elementos se combinan para convertirse en la composición más grande. Pronto hablaremos sobre algunos principios que ayudan a guiar el proceso de diseño y diferenciación de un sistema de otro.
La distribución de espacios es crucial para el orden espacial en arquitectura. Estos espacios pueden variar en tamaño y forma, por lo que el principio de minimización es reducir el tamaño de una parte significativa del edificio o de todo el edificio. El sistema espacial nos introduce en elementos como la estructura y el volumen. A continuación les presentamos las fotografías de las piezas. Esta copa presenta el principio de Gestalt en trasfondo y forma, y la copa es el espacio y volumen negativos dentro del espacio positivo. Esto se puede apreciar en la fachada del edificio de Peter Zumthor, que nos muestra una serie de plazas que actúan como espacios activos, mientras que el resto de la fachada sirve como marco para el espacio pasivo.
Sin embargo, a diferencia del sistema espacial, el sistema de materiales incluye la gestión de factores que afectan la estructura como la luz, el ambiente, la temperatura acústica y la ventilación. Como mencioné anteriormente en mi mente, todos estos son fundamentales para poder lograr un buen diseño que satisfaga una necesidad dentro de la empresa y también pueda servirla. La durabilidad de los materiales utilizados es igualmente importante, ya que es lo primero que mira un espectador antes de ingresar a su espacio. Nos dan ejemplos de estructuras en el Viejo San Juan, que son un buen ejemplo de diseño con ventilación y materiales duraderos. Lo más importante es considerar todos los aspectos.
Ambos sistemas requieren algunas similitudes en su proceso de diseño. No hay ninguna razón para enseñarnos estos sistemas al principio de nuestra investigación. Un buen diseño requiere una sólida comprensión de los fundamentos de la industria. Lo que me gusta del sistema físico es la investigación que implica; Busque materiales duraderos que creen agujeros para ventilación y transiciones. Todo ello con el objetivo de crear un espacio sostenible y duradero.
LA INVENCION DE LO CLASICO
Muchos de los estilos arquitectónicos que conocemos hoy son de hace miles de años. Aunque la tecnología fue desarrollada por arquitectos anónimos utilizando tecnología indígena, todavía están estudiando hoy para imitarla y comprenderla mejor. Un ejemplo de esto es la arquitectura grecorromana. Las catedrales y los grandes templos de Europa son ejemplos vivos de esta práctica. Hay templos construidos con tecnologías transmitidas de generación en generación y templos construidos con estas tecnologías, algo sin precedentes. Hoy discutiré algunas diferencias en el uso de precedentes para resolver problemas en lugar de crear soluciones a los problemas planteados.
En las catedrales más famosas de España e Italia, podemos ver arquitectura grecorromana. Es muy similar a la arquitectura de la antigua Grecia. Sin embargo, en algunos templos, se crearon soluciones específicamente para los problemas de diseño que traían. Un ejemplo de esto es la pequeña iglesia que se muestra en el video. Utiliza tecnología gótica, pero también arquitectura romana. La razón de esta mezcla es la necesidad del edificio en sí. La parte frontal adopta un diseño gótico para maximizar la ventilación y la luz natural; la parte exterior es románica con ventanas más esbeltas, por lo que el marco de estas ventanas no dañará la estabilidad del soporte arqueado. Todas estas técnicas tardan siglos en dominarse, y este es un mejor ejemplo de cómo y qué técnicas buscan los arquitectos para ejecutar estructuras.Se trata de un arma de doble filo, pero estos arquitectos nos dejan ver la importancia de asumir estos riesgos.
Ver estos videos realmente me inspiró a realizar un análisis más profundo mientras observaba las impresionantes obras arquitectónicas para comprender mejor las técnicas y texturas utilizadas. El objetivo de cualquier diseñador es poder crear una técnica totalmente propia, a saber, la "técnica de espina de pescado". Podemos ver que otros arquitectos de la historia han hecho lo mismo o han utilizado otras tecnologías locales para diseñar.
Al notar dichos clip de videos realmente me inspiro a realizar estudio más profundos al instante de mirar obras arquitectónicas asombrosos en un esfuerzo por mejor comprender técnicas usadas y texturas. Es una meta para cualquier diseñador el poder producir una técnica enteramente suya como el “fish spine technique”. Tenemos la posibilidad de ver que otros arquitectos por medio de la historia hicieron lo mismo o han usado otras técnicas vernaculares para diseñar.
Estilo
El estilo proviene de un nombre masculino, o se define por un conjunto de características específicas que caracterizan a un artista, obra o período artístico y le dan singularidad y distinción. para conocer. El concepto de estilo se deriva del término latino stilus. La palabra se puede usar en muchas áreas diferentes, aunque su uso más común tiene que ver con la apariencia, la estética o la descripción de algo. El estilo arquitectónico se puede resumir como el conjunto de características que determinan las inclinaciones artísticas de una época o de un autor.
Es un concepto muy diverso y depende en gran medida de la persona, el tiempo y el lugar. En arquitectura, cada diseñador tiene su propio estilo que lo distingue y lo define. Comprender el estilo del arquitecto significa obtener una comprensión más profunda de su trabajo y todos los detalles que implementa en su trabajo. El estilo es lo que hace que un diseño sea único y diferente; Esto es lo que lo distingue de cualquier otra obra, lo que distingue al artista y lo hace reconocible.
En las diferentes épocas se pueden ver distintos estilos, los cuales son reflejados en los materiales mas útilizados. Así, a lo largo de la historia, se han desarrollado diferentes estilos arquitectónicos para expresar los valores y aspiraciones de un período histórico particular. Por ejemplo, los estilos clásico y gótico eran populares en Europa y prevalecieron en estos países porque el estilo en ese momento estaba de moda. Así, la moda cambia con el tiempo, lo que nos ayuda a inferir cambios y cambios de estilo en función de dónde nos encontremos.
Ornamentación
La ornamentación es el término que los arquitectos utilizan para los elementos decorativos en los edificios y estructuras diseñados. Los ejemplos incluyen artes decorativas como tallas, revestimientos, relieves, pinturas y otros elementos como muebles e iluminación. Este término excluye las grandes formas decorativas como la escultura monumental; Es decir, la decoración será cualquier elemento añadido con fines decorativos.
Históricamente, la ornamentación arquitectónica siempre ha estado asociada a la arquitectura desde los primeros momentos en que aparecieron las grandes obras, por ejemplo en todas las épocas de la historia vemos el cambio en la ornamentación y en la dirección que los arquitectos decidieron tomar al abordarla. durante su diseño. Como ejemplo de decoración y de su gran importancia en determinadas épocas, en las pirámides y catacumbas de Egipto, la decoración religiosa era fundamental porque protegía al faraón fallecido.
La ornamentación es la parte decorativa que un arquitecto decide agregar a su estructura para mejorar o complementar la estética de un edificio. Se trata de elementos adicionales que, aunque más decorativos que prácticos, tienen un impacto significativo en el diseño final. Algunas decoraciones son objetos de estructura. La forma en que un diseñador decide abordar la decoración de su trabajo dice mucho sobre su estilo y gusto personal.
Son muchos los elementos decorativos típicos que se han utilizado para personalizar los edificios. En las iglesias góticas, los elementos decorativos típicos son los rosetones que dejan pasar la luz natural e imitan la luz divina, vidrieras, zapatitos de exterior, gárgolas, arcos y estampados, como alternativa la flor griega de trigo sarraceno, galería y moldura.
Abstracción
El video, titulado El caso de la abstracción, nos brinda una introducción precisa e informativa, brindando a los espectadores una variedad de obras a lo largo de la historia de la abstracción. Al principio de la historia del arte, los primeros artistas pintaron y trataron de representar todo lo que les rodeaba, intentando ser lo más realistas posible al realizar sus obras. Así, artistas como Joseph Mallord William Turner y James Abbott McNeill Whistler mostraron cómo las cosas ordinarias que se encuentran en la vida real pueden considerarse abstractas.
En el siglo XIX, se creó la fotografía y la vida cotidiana cambió drásticamente. La comunidad artística está cada vez más interesada en retratar su percepción del mundo de una manera poco realista. Luego, en el siglo XX, Henri Matisse y André Derain pintaron objetos familiares de formas inusuales. Utilizaron colores llamativos y trazos poderosos e introdujeron nuevas técnicas en el mundo del arte de la época.
Más tarde, aparecieron varios estilos únicos en el campo de la abstracción, como el cubismo y el futurismo italiano. El cubismo se ocupa de las formas naturales a través de formas geométricas, líneas y superficies segmentadas, mientras que el futurismo busca expresar los valores y experiencias de la era de las máquinas (velocidad, fuerza, cantidad y poder), revolucionando la tecnología y el lenguaje de la literatura y las artes. Por ello, tomó su nombre como un término futurista, que significa avanzar hacia el futuro. El poeta italiano Marinetti compiló y publicó los Principios del futuro en el Manifiesto de 1910. Al año siguiente, los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Cara, Luigi Rossolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto. El futurismo vino directamente del cubismo, incluso las pinturas más antiguas pertenecientes al cubismo, pero pronto se desarrolló hacia una estética distinta, debido a su obsesión por la velocidad. Es básicamente un movimiento italiano.
La artista suiza Hilma af Klimt produce obras abstractas desde 1905. Pertenece a un grupo de mujeres llamado Las Cinco que organizan sesiones de los espíritus a través de fotografías y dibujos.
Conferencia Arqu. Jorge Rigau: Restauracion Iglesia San Jose
El 7 de octubre de 2021, el arquitecto José Rigau dio una conferencia a los asistentes a través de la plataforma Facebook Live, donde habló del largo y arduo proceso de restauración a gran escala de la parroquia. El Gran San José lleva más de 13 años cerrado por a impactos severos. soltar.
La Parroquia de San José está ubicada en la intersección de la Calle Francisco Rufino y la Calle del Santo Cristo en el Viejo San Juan. Se cree que fue construido alrededor de 1532, y aunque no se conoce con certeza el autor de esta gran estructura y el patrimonio cultural de nuestra isla, se cree que fue construido por Rodrigo Gil Rosselló, el arquitecto del Templo del Santo. Domingo en Hispaniola. La parroquia cerró hace 13 años y está muy degradada con daños estructurales.
Se sabe que la actual Iglesia de San José ha albergado tres clasificatorios diferentes a lo largo de su historia. Originalmente se llamó Iglesia de Santo Domingo en honor a Santo Domingo de Guzmán, fundador de la Orden de Predicadores o Dominicos. Posteriormente, por razones desconocidas, se cambió el nombre de la iglesia a Iglesia de Santo Tomás de Aquino. A partir de ahora, el monasterio pasó a ser propiedad de los dominicos, a los que se adscribió la iglesia, hasta 1858. Luego, en ese año, la iglesia fue cedida a la Compañía de Jesús, que la denominó Iglesia del Señor San José. Finalmente, en 1911, la iglesia fue reconocida oficialmente como Parroquia de San José, tal como la conocemos hoy
El proyecto de restauración de la diócesis fue dirigido por el arquitecto José Rigao. Rigao es actualmente profesor en el Departamento de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Puerto Rico y ha sido nombrado por la Asociación de Escuelas de Arquitectura (ACSA) como uno de los cinco Profesores Nacionales dignos del Premio a la Excelencia en Educación Arquitectónica. la organización. El arquitecto ha pasado más de 40 años capacitando a futuros arquitectos en Puerto Rico y dando presentaciones a invitados en varios foros en los Estados Unidos.
El arquitecto de Rigau colaboró con muchos profesionales y estudiantes para la restauración. Asistieron varios estudiantes, incluidos estudiantes de la Universidad de Pennsylvania y de la Universidad Politécnica de Puerto Rico. Rigao y su equipo pasaron ocho años trabajando en la antigua estructura para renovarla y dar cabida a la gran afluencia de turistas y puertorriqueños. Trabajo con diferentes especialistas como la empresa española Granda. Juntos diseñaron un sistema de iluminación perfecto y rediseñado para la iglesia. Hicieron lámparas cilíndricas que causaron una sensación similar a las lámparas jesuitas en la "Bóveda estrellada".
Miles Van Der Rohe
Ludwig Mies Van Der Rohe nació en 1887 en Aquisgrán, Alemania. Mies van der Rohe es un arquitecto alemán conocido mundialmente por su estilo simple y minimalista. Es en la forma en que se opone el arquitecto Gaudí. Antoni Gaudí, arquitecto español, es único por su inspiración sobre la naturaleza y el uso de formas geométricas. Mientras tanto, Mies Van tiene un estilo más consistente y moderno que las piezas ornamentadas y detalladas de Gaudí.
Der Roh es conocido como el mayor representante de la industria de la construcción de acero y vidrio. Su familia era propietaria de un taller de talla de piedra, que abrió la puerta al joven Ludwig, que había adquirido un gran conocimiento y competencia en piedra. Al final de sus estudios en la Escuela de Artes y Letras a la edad de 15 años, fue designado a su ciudad natal como aprendiz de construcción, luego se convirtió en pintor en el estudio de arquitectura de Bruno. Paul, donde dio sus primeros pasos como aprendiz de arquitecto.
Entre sus obras más famosas se encuentran el Edificio Seagram, el Edificio Crown, la Casa Lemke y el Pabellón de Barcelona, entre otras obras de arquitectura asombrosas. La obra más importante de Mies van der Rohe se remonta a 1929, cuando creó el Pabellón de Alemania para la Feria Internacional de Barcelona, considerado por muchos como una de sus obras maestras y una de las obras de arquitectura más importantes e influyentes del siglo XX. Su estilo sencillo, apariencia sencilla, continuidad de espacios, aparentemente sin principio ni fin, son sus cualidades más impresionantes. Fue obra del delegado alemán en la Feria Internacional de Barcelona que se celebró en Montjuïc ese mismo año. El Pabellón está diseñado como una cubierta de dimensiones modestas y materiales delicados. Vidrio, acero y cuatro tipos de mármol se utilizaron para la recepción oficial ofrecida por el rey Alfonso XIII en coordinación con las autoridades alemanas
Miles definió la era moderna y su estilo. Marcó el comienzo de un nuevo estilo arquitectónico que revolucionó e inspiró el mundo del diseño y la arquitectura. Su estilo característico es algo revolucionario porque las piezas que produce son muy exóticas y diferentes al estilo tradicional europeo. Por ejemplo, el estilo clásico y el estilo gótico son muy populares en estos países.
Le Corbusier
Charles-Édouard Jeanneret, más conocido como Le Corbusier, nació en La Chaux-de-Fonds en 1887 y murió en Chen en 1965. Le Corbusier fue un arquitecto, pintor y escritor de origen francés. Suiza, es la protagonista del siglo XX. El renacimiento arquitectónico global del siglo. También es conocido como uno de los más grandes modernizadores de la arquitectura moderna y un agitador cultural incansable, un trabajo que ha realizado con pasión a lo largo de su vida. A través de su escritura, logró una merecida reputación como polemista y contribuyó al flujo de ideas innovadoras que hicieron de su obra una influencia decisiva en la arquitectura posterior. Es mejor conocido por su filosofía de renovación y sus famosos Cinco puntos sobre la nueva arquitectura. También utilizó las matemáticas y la ingeniería como componentes básicos de su carrera.
Una de sus obras más famosas es la Casa Dom-Ino. Este trabajo fue creado por un sistema esquelético unificado para permitir la organización libre de los elementos dentro de él. Este proyecto nació de la devastación de la Primera Guerra Mundial, ya que la construcción económica, funcional y eficiente se volvió fundamental para contrarrestar la escasez de viviendas durante este período. Su nombre, Dom-Ino, proviene de su función y propósito. Destaca la calidad que hace único a este proyecto, la movilidad y disposición de las estancias en el interior. Entonces, el arquitecto francés lo vinculó con el juego de dominó y la forma en que se mueven los ladrillos en el juego.
Entre los documentales entregados se encontraba Couvent de La Tourette, considerado por muchos como el programa más destacado. Esta es la última obra terminada de Le Corbusier en Europa, y fue construida como un reino independiente para una gran comunidad de monjes y para adaptarse a esta forma de vida única y específica. Este es el proyecto ideal que representa los estándares de vida básicos en el estilo Le Corbusier. El único pedido del padre Marie-Alain Couturier al ingeniero fue "crear una casa en el silencio que albergara cien cuerpos y cien corazones".
El monasterio consta de cien habitaciones individuales, una biblioteca comunitaria, el ayuntamiento, el monasterio en la azotea, la capilla y las aulas. El sitio fue elegido especialmente por Le Corbusier, quien se sintió atraído por la empinada pendiente con una vista panorámica del horizonte. Cada una de las cientos de habitaciones tiene un balcón que da al exterior, con áreas comunes debajo y una pasarela que atraviesa la azotea. La forma estructural del edificio es de hormigón armado, con fachadas de vidrio ondulado ubicadas en tres de las cuatro fachadas. Gran parte de las características de este edificio se encuentran en el interior, que cuenta con ventanas de piso a techo en las áreas públicas, como la sala capitular y el área de almacenamiento, que brindan excelentes vistas del paisaje, al oeste del valle, biblioteca y entrada a la iglesia.
La Arquitectura compuesta por sus partes
Arquitectura en sus partes es un libro del arquitecto y escritor Anton Capitel. Capitel es Inspector General de Antigüedades del Estado y Director de la Revista de la "Arquitectura" del Sistema Oficial de Arquitectos de Madrid y Catedrático del Departamento de Proyectos de la Escuela Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid (ETSAM). Practica urbanismo, construcción y restauración de monumentos y es autor de numerosos artículos y libros sobre arquitectura histórica española e internacional, arquitectura moderna, teoría y crítica sobre restauración y proyectos, entre otros muchos artículos y libros. Sus otros libros reconocidos son: New Lessons in Modern Architecture (2011), Architecture as Impure Art (2012) o Critical Essays: Architecture, Art and the City (2015).
Capitel escribió "La arquitectura del patio" en 2005. En este libro, muestra que los patios no solo son una parte importante de la historia, sino que también son la base del sistema de planificación. En “Arquitectura hecha de sus partes”, publicado en 2009, presentó otro sistema universal de proyección. Esta arquitectura consta de partes que surgen para completar un programa que da sentido a su sistema a partir de su capacidad para soportar e impulsar una arquitectura diversa.
El autor usa a Le Corbusier como ejemplo, porque aplicó la teoría de que la arquitectura consta de partes en sus creaciones y proyectos. El diseño de las particiones es una idea de organización funcional y una expresión de expresividad, que no se puede distinguir claramente de un número a otro. Entre sus obras más famosas se encuentran el Capitolio de Chandigarh, el Valle de Saboya y el Convento de Santa María de Torett. Una de sus obras más importantes es la casa Dom Aino, construida por Le Corbusier entre 1914 y 1915. En esta obra diseñó un sistema constructivo complejo "dominó", en el que la estructura, columnas, cubiertas y escaleras son prefabricadas y pueden ser combinados de las más diversas formas.
Le Corbusier ofrece un ejemplo de cómo las técnicas y el pensamiento tradicionales pueden combinarse con los nuevos. Se inició a finales del Renacimiento, pero absorbió, reconocido en la arquitectura neoclásica, a un académico, así como su participación en la revolución moderna y su desarrollo. Basa sus proyectos en una base simple, en la que todo su diseño tiene una lógica funcional. Todo tiene un proceso y cada detalle es fundamental para ejecutar el proyecto.
Rafael Moneo y Frank Gehry
Rafael Moneo y Frank Gehry son figuras importantes en el campo de la arquitectura. Ambos han creado proyectos y obras que continúan inspirando a las generaciones futuras por esta causa diversa hasta el día de hoy. Aparte de participar en una profesión común, no hay mucho en común entre estos dos arquitectos. Su estilo es completamente diferente y opuesto.
Rafael Moneo es un célebre arquitecto nacido en Tudela y fue el primer español en recibir el Premio Pritzker. Tiene un estilo desprovisto de chantaje. Transformó la arquitectura tradicional en su propio estilo, cuando se combinó con su estilo moderno, practicidad y simplicidad, surgió su estilo. Durante sus primeros años universitarios, trabajó con Sàenz de Oiza, arquitecto español y profesor en el departamento de instalación de la Ecole Normale Supérieure de l'Architecture Technical de Madrid. También es profesor de proyectos y director de escuela.
Moneo enseñó en varias universidades como Princeton y Harvard, donde fue Decano del Departamento de Arquitectura. Construyó edificios de Perrault en Los Ángeles, entre ellos: la estación de Atocha, el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, la Fundación Miró en Mallorca y el Museo Nacional del Prado. Por otro lado, Frank Gehry se convirtió en uno de los grandes gracias a la magnífica arquitectura realizada con materias primas. Al incorporar diferentes formas geométricas en todos sus edificios, crea un flujo visual que se convierte en una experiencia para el espectador. Gehry cree que la arquitectura es arte y una vez que se completa un edificio, debe considerarse una obra de arte.
Gehry fue uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX y es bien conocido por su uso de grandes estatuas de la libertad hechas de materiales inusuales. Entre sus importantes y famosos diseños se encuentran el Walt Disney Concert Hall en Los Ángeles y el Museo Guggenheim en Los Ángeles, Bilbao, España. Su obra es un ejemplo de deconstructivismo, una estética postestructuralista que altera y contrasta estereotipos de la arquitectura tradicional al tiempo que rompe los ideales modernistas formados por la posfuncionalidad. Jerry es uno de los numerosos artistas contemporáneos que buscan su propia identidad artística.